CINCUENTA AÑOS DE SOLEDAD. ASPECTOS Y REFLEXIONES SOBRE EL UNIVERSO DEL VIDEO ARTE

El videoarte como herramienta pedagógica

 

Nicolas Sorrivas *

^(*) (CIEVYC, 2005). Critico de Cine (EL AMANTE/Escuela, 2006). Profesor de la Universidad de Palermo en el area Audiovisual de la Facultad de Diseno y Comunicacion. Coordinador del area Redes Sociales de la Facultad e integrante del equipo de docentes del Programa Tutorias.

Fecha de recepcion: junio 2013
Fecha de aceptacion: marzo 2014
Version final: mayo 2015

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Resumen

Estableciendo un paralelismo con los postulados de Lev Vigotsky, considerado precursor del constructivismo social, el presente articulo se plantea indagar sobre la historia y la evolucion del videoarte para proponerlo como herramienta educativa de lectura e interpretacion de la realidad que les permita a los estudiantes crear una obra de arte audiovisual como respuesta a una situacion problematica dada. Desde sus comienzos, el videoarte nacio como forma de expresion artistica critica de la sociedad politica y cultural de su epoca, los sesenta. Los videastas vanguardistas se apoderaron de la herramienta para hacerse de un discurso audiovisual a partir del cual pudieran decir su palabra. Entonces, como forma de expresion, el videoarte les permitira a los estudiantes hacer una lectura critica de su propia realidad y comunicar un punto de vista sobre la misma, explicitando de forma audiovisual el proceso de construccion del conocimiento. Ademas, por considerarse lo audiovisual como un discurso universal, la indagacion buscara dilucidar si el videoarte puede funcionar como puente que vuelva a conectar a las dos generaciones divididas por el cambio de milenio y la era digital: los nativos digitales y los inmigrantes digitales. Finalmente, el objetivo del trabajo sera investigar en la historia del videoarte la produccion discursiva de los videastas, en especial la obra de Nam June Paik y el grupo Fluxus para construir, a partir de este analisis, una herramienta educativa idonea, indagando en el uso de las nuevas tecnologias en educacion, sobre todo las que conciernen al diseno multimedial y al discurso audiovisual.

Palabras Claves: Constructivismo social; Educacion; Era digital; Inmigrantes y nativos digitales; Net.art; Tecnologias de la informacion y la comunicacion; Videoarte.

Summary

Drawing a parallel with the postulates of Lev Vygotsky, considered a precursor of social constructivism, this article proposes to investigate the history and evolution of video art as an educational tool that allows students to create a visual art work in response to a given problem situation. Since its inception in the ´60s, video art was conceived as a form of critical artistic expression of political and cultural society. The avant-garde video artists seized the tool for getting a visual discourse from which they could have their own voice. Then, as a form of expression, video art students will allow a critical reading of his own reality and communicate a point of view on it, explaining the visual form of knowledge construction process. In addition, considering the audiovisual as an universal discourse, the research will seek to ascertain whether video art can function as a bridge to reconnect the two generations divided by the turn of the millennium and the digital age: digital natives and digital immigrants. Finally, the aim of this work is to investigate in the history of video art the discursive production of videographers, especially the work of Nam June Paik and the Fluxus group to construct, from this analysis, an ideal educational tool, investigating the use of new technologies in education, especially those concerning the design of multimedia and audiovisual speech.

Keywords: Digital age; Digital immigrants and digital natives; Education; Information technology and communication; Net.art; Social constructivism; Video art.

Resumo

A partir do tracado do paralelismo com os postulados de Lev Vigotsky, considerado precursor do construtivismo social, este artigo indaga sobre a historia e a evolucao do video arte para propo-lo como ferramenta educativa de leitura e interpretacao da realidade que permita aos estudantes criar uma obra de arte audiovisual como resposta a uma situacao problematica particular. O video arte nasceu como forma de expressao artistica critica da sociedade politica e cultural da sua epoca, os sessenta. Os videastas vanguardistas apoderaram-se da ferramenta para fazer-se de um discurso audiovisual a partir do qual puderam dizer sua palavra. Entao, como forma de expressao, o video arte lhes permitira aos estudantes fazer uma leitura critica de sua propria realidade e comunicar um ponto de vista sobre ela, explicitando de modo audiovisual o processo de construcao do conhecimento. Alem, por considerar-se o audiovisual como um discurso universal, a indagacao procurara esclarecer se o video arte pode funcionar como ponte que enlace novamente as duas geracoes divididas por o cambio de milenio e a era digital: os nativos digitais e os imigrantes digitais. Finalmente, o objetivo do trabalho sera pesquisar na historia do video arte a producao discursiva dos videastas, em especial a obra de Nam June Paik e o grupo Fluxus para construir, a partir desta analise, uma ferramenta educativa idonea, indagando no uso das novas tecnologias em educacao, sobre tudo as relativas ao design multimidia e ao discurso audiovisual.

Palavras chave: Construtivismo social; Educacao; Era digital; Imigrantes e nativos digitais; Net.art; Tecnologias da informacao; Video arte.

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El videoarte como herramienta pedagógica

Con la aparicion de las camaras de video hogarenas a fines de la decada de los sesenta, tecnologia facilmente accesible para todos, el lenguaje de las imagenes en movimiento se modifico sustancialmente originando nuevos productos audiovisuales bien distantes del viejo cinematografo, e incluso la joven television: el videoclip y el videoarte. Ambos discursos marcaron caminos totalmente diferenciados entre si: el videoclip se volvio un producto de consumo masivo que se ofrecia como medio de promocion para el mercado de la musica con variaciones minimas y ligadas, casi siempre, al estilo musical propuesto, y el videoarte, una forma artistica de vanguardia que releia los manifiestos que otros habian comenzado a escribir en las primeras decadas del siglo veinte a traves de una camara de video. Hoy, a cincuenta anos de este acontecimiento, al menos tres factores sustanciales, la era digital, Internet y las nuevas tecnologias, exigen pensar el discurso audiovisual desde otra optica, poniendo en jaque el concepto de videoarte y obligando a dialogar a la tecnologia de otros tiempos con los nuevos aparatos. Con la masificacion de las camaras de video a niveles astronomicos, replicadas y mejoradas en cada nuevo dispositivo movil que aparece en el mercado, la popularidad de las redes sociales ligadas, entre otras cuestiones, al intercambio audiovisual y, sobre todo, la constante evolucion de lo digital, es indispensable la transformacion del discurso para que cada vez que se hable de videoarte no se piense en videocaseteras y televisores de tubo, para que sea posible una nueva revolucion artistica. Algo similar ocurre en los terrenos de la educacion. El quiebre generacional producto del cambio de milenio enfrenta a los llamados nativos digitales, segun el termino acunado por Marc Prensky, con los inmigrantes digitales e, incluso, los excluidos digitales. Asi, un docente que experimento, o no, todo el proceso de cambio de la tecnologia debe ensenarle a un nino, o a un adolescente, que nacio conectado. Entre ambos cortes generacionales las distancias son infinitas y las posibilidades de comunicacion se hacen casi imposibles, a menos que existan mediadores tecnologicos intergeneracionales. Entonces, el presente trabajo pretende analizar la evolucion del videoarte como herramienta expresiva, y su transformacion en el entorno digital, para proponerlo como posible solucion a este problema de la educacion contemporanea.

La historia del arte o la historia de la tecnología

La historia del arte, sus modificaciones mas o menos sustanciales y, sobre todo, sus revoluciones, nacieron, en la mayoria de los casos, por un cambio de concepcion del mundo que, a su vez, vino acompanado de la aparicion de una nueva tecnologia o la modificacion de una tecnologia ya existente. Desde el descubrimiento del fuego o la rueda hasta la creacion del cinematografo a finales del siglo diecinueve, los artistas encontraron en cada una de estas nuevas herramientas una forma propicia para decir su palabra y, por ende, hacer su arte. El fuego les permitio sobrevivir a la oscuridad de la noche pero tambien a imprimir imagenes en las paredes de las cuevas, la imprenta le dio permanencia en el tiempo a las palabras pero ademas creo nuevas formas de expresion artistica y, finalmente, las imagenes en movimiento, no solamente impulsaron una nueva forma de entretenimiento sino que sirvieron a toda una camada de artistas para producir su discurso desde el medio que ellos consideraron mas propicio. Los sovieticos descubrieron en el montaje el aparato expresivo ideal para su propaganda politica, los franceses y espanoles jugaron con el cinematografo recreando sus propios suenos y los alemanes le dieron vida a la pesadilla de la guerra en un contraste de sombras e imagenes en movimiento. Entonces, era de esperarse que el descubrimiento de la television en la decada del cincuenta produjera una modificacion sustancial en la forma de comunicarse asi como tambien una nueva manera de hacer arte. El video, tecnologia desarrollada durante los sesenta por primera vez para los sistemas de television, es la tecnologia de la captacion, grabacion, procesamiento, almacenamiento, transmision y reconstruccion por medios electronicos digitales o analogicos de una secuencia de imagenes que representan escenas en movimiento. Etimologicamente la palabra video proviene del verbo latino video, vides, videre, que se traduce como el verbo ‘ver'. La camara de video, al igual que la cinematografica tiene elementos fotosensibles. Sin embargo, la lectura y el procesamiento de las imagenes es diferente, abaratando los costos y volviendo a la nueva tecnologia un instrumento popular, facilmente accesible para todos. Cuando la camara de video aparecio en el mercado en los sesenta, rapidamente los artistas descubrieron en esta nueva herramienta el medio necesario para expresar sus ideas y nacio el videoarte.

Nam June Paik y la deconstrucción del aparato televisivo

Nam June Paik es considerado por muchos como'el padre del videoarte'. Nacio en Seul y a los 18 anos huyo a Tokio tras el inicio de la Guerra de Corea. Comenzo sus estudios en arte y enseguida se enamoro de la estetica occidental. Cuestionando al arte como actividad meramente profesional y cuestionando, sobre todo, el concepto de belleza, Paik integro Fluxus, un grupo de artistas japoneses que realizaban arte de accion o happenings. Las preocupaciones de Paik, entre las que se encontraba el lema de Fluxus "dejar fluir la vida cotidiana para resignificarla como obra de arte", eran compartidas por los otros integrantes del movimiento, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Alan Kaprow, John Cage y Yoko Ono. Una de las grandes paradojas del videoarte es que su historia se inicia algun tiempo antes que la camara de video estuviera disponible entre los artistas. De hecho, las primeras obras de la historia del videoarte no incluyen al video como medio. Si bien se habia experimentado previamente, y en varias ocasiones, con la imagen electronica, la muestra Exposition of Musik / Electronic Television del grupo Fluxus, donde Paik acciona con monitores de television, se convirtio en el primer exponente del videoarte, forma creativa que pronto se trasladaria a su terreno mas fertil: los Estados Unidos. Corria, entonces, marzo de 1963. El concepto fundamental trabajado por Paik, y el resto de los artistas del grupo Fluxus, era una evidente y violenta postura critica respecto a la television. Como habia ocurrido con el cine en sus primeras decadas de vida, los artistas de los sesenta veian al medio televisivo como el principal enemigo de la cultura, como el mas claro exponente de la manipulacion ideologica sobre la que se sustentaba la sociedad de masas. Entonces, utilizaron el videoarte, pariente directo de la television, para evidenciar el proceso por el cual los medios masivos irrumpian en la masa cosificandola.
La primera exposicion del grupo Fluxus en la Galeria Parnass, en Alemania, presento trece televisores cuyas imagenes se mostraban distorsionadas, manipulando los circuitos electronicos de los aparatos. Estas imagenes abstractas buscaban representar como los medios de comunicacion, y mas precisamente la television, distorsionan la realidad, manejando el proceso por el cual el pueblo accede a la informacion. Mas tarde, Paik redoblo su apuesta anadiendo a las imagenes de los aparatos segmentos de television pregrabados, intensificando su postura critica respecto a ellos. Dentro de Fluxus, vale rescatar la obra de Wolf Vostell que, en mayo de 1963, realizo un evento en Nueva York en el que enterro un televisor encendido atado con un alambre de puas. Literales y salvajes, directos y terriblemente expresivos, los integrantes del grupo no se limitaron a lo estetico sino que problematizaron sobre la percepcion y la desproporcion sensorial provocada por las extensiones tecnologicas, sobre todo, la television. "La television nos ha atacado durante toda la vida", declaro Nam June Paik durante una entrevista, "es hora de que le devolvamos el golpe. Ahora haremos nuestra propia television" (Mancini, 2006). En todos los casos, el arte del grupo Fluxus busco la experiencia con el aparato y la reapropiacion del medio a traves del happening y el pensamiento-accion. Estados Unidos, y mas precisamente la ciudad de Nueva York, se convirtio en el terreno propicio para el nacimiento de nuevos videoartistas que acompanaron la produccion de Paik cuando se traslado a Norteamerica. En 1965, el artista coreano realizo su primera exposicion individual denominada simplemente Electronic art. Una de sus principales instalaciones La luna es la televisión más antigua, compuesta por 12 televisores en silencio, consistia en mostrar en cada pantalla una fase lunar diferente. En su plan de vanguardia, y poniendo en crisis las categorias canonicas del arte, en lugar de proyectar imagenes de la luna, se le ocurrio reemplazarlas por manipulaciones mediante un iman del tubo de rayos catodicos del aparato.
Fue la exploracion artistico-tecnologica la que llevo a Nam June Paik a combinar todas las posibilidades que le ofrecia la ciencia con el arte y no resulta extrano descubrir que muchos relatos sobre la vida y obra del artista coreano describen su estudio como un taller de reparaciones electronicas con varios meses de retraso en los pedidos. En toda su produccion se revela una actitud humoristica e irreverente respecto a la pantalla de television, entendiendola como medio especifico y objeto que posee cualidades esteticas y expresivas propias. Con la experimentacion en la imagen electronica-audiovisual y esta definida aversion hacia el aparato televisivo, faltaba un unico ingrediente para que, finalmente, el videoarte se formara en su maxima expresion: el uso de la tecnologia del video (la primera camara de video portatil para consumo popular salio a la venta en 1965). De la misma forma que George Melies, encantado con el cinematografo de los Hermanos Lumiere, les compro su aparato luego de la primera proyeccion en el Salon Indien du Gran Cafe, el 28 de diciembre de 1895, Nam June Paik vio en la camara de video portatil su herramienta artistica y, ni bien salio a la venta, se transformo en el primer artista en adquirir uno de estos aparatos con fines esteticos y artisticos. El universo audiovisual, asi como el universo del arte en general, esta plagado de esas pequenas anecdotas que envuelven a la historia bajo un velo de misterio. Cuenta la leyenda que yendo a su taller, despues de haber comprado la camara de video, el taxi en el que viajaba quedo atrapado en un embotellamiento causado por la visita del Papa a la ciudad de Nueva York. Paik filmo el acontecimiento y esa misma noche lo presento en el Cafe a Go-Go ante un grupo de amigos. Nacia asi la primer obra de videoarte.
Finalmente, con el transcurrir del tiempo, los realizadores comenzaron a preocuparse por definir las caracteristicas especificas del video como medio, aquellas que lo distinguen de otros medios, dando lugar a verdaderas obras experimentales.

Evolución: de la televisión a la sociedad de la información

La descripcion que hace J. R. Perez Ornia en El videoarte de vanguardia acerca de Nam Jun Paik es exacta:

El inventor del videoarte fue un musico que adornaba sus instrumentos con todo tipo de quincalleria, que rompia violines o extraia musica de los objetos, que introducia en sus composiciones actos heterodoxos y provocativos, como romper huevos o cortarle la corbata a John Cage (La Ferla, 1996).

En este contexto, no resulta nada extrano que, anos mas tarde, en la decada de los ochenta, luego de haber desarrollado todo un discurso critico en torno a la television, Paik se anticipara culturalmente a la llegada de Internet y se convirtiera, nuevamente, en el primer artista en utilizar satelites en performances de alcance mundial. El objetivo del artista coreano, luego arraigado en los Estados Unidos, siempre fue el mismo: crear arte con materiales nuevos. Asi, volvio a experimentar con el elemento temporal de las artes populares, el ritmo, tan importante en videoarte, pero a traves de este nuevo medio, el satelite, que rompia con las barreras comunicacionales como nunca antes se habia hecho. Claro que detras de la experimentacion, detras del juego con el nuevo aparato, habia un segundo objetivo mucho mas firme en la mente de Paik. Si en el uso de los televisores buscaba provocar un subrayado sobre su critica a la television como medio masivo, y popular, de comunicacion, en este caso, los satelites acentuarian sus propositos pacifistas. Quizas no sea casual que se le atribuya a Nam June Paik ser el primero en utilizar el termino de Sociedad de la información porque, en sus declaraciones, advierte los procesos simbolicos contemporaneos sin alejarse de la democratizacion expresiva para pensar las nuevas tecnologias.
"El sintetizador de video fue de algun modo el comienzo de Internet porque daba la posibilidad de crear contenido mediatico por uno mismo" explico Nam June Paik en una entrevista realizada por telefono con el periodista aleman Tilman Baumgartel en 2001.

Ya se esta hablando de un hibrido, mitad computadora y mitad televisor, que puede recibir unos cuantos cientos de estaciones de television. Si eso sucede, pronto podre comprar mi propia licencia y emitir mi videoarte desde una super computadora a traves de esa estacion todos los dias (Mancini, 2006).

Lamentablemente, Paik no llego a ver su deseo plasmado en sitios como Vimeo o Youtube. Sin embargo, sus dichos y su carrera, donde el arte se comprometia a evolucionar junto con la tecnologia, decantaron en una nueva forma de produccion artistica que se concibio en la decada de los noventa y exploto estetica y creativamente en el nuevo milenio: el net.art. La gran red llega a donde ni la television, ni los satelites lograron llegar. Rompe, definitivamente, con las barreras comunicacionales e idiomaticas y desciende, en tiempo real, en infinidad de dispositivos que hacen de la Internet la nueva y perfecta excusa para repensar el arte. Pero, sobre todo, Internet permite desarrollar un proyecto colaborativo con gente de cualquier parte del planeta transformandose en algo asi como, como lo metaforizaria Paik, un cuarteto de cuerdas. "Una vez que la fibra optica vaya alrededor del mundo la Internet sera mas excitante" (Mancini, 2006). Leer o escuchar a Nam June Paik es realizar un viaje hacia el futuro, casi como leer a Jules Verne, sabiendo que hay mucho mas de ciencia que de ficcion en su relato y en sus ideas.

arte.en.red y cibercultura

El arte llego a Internet y se llamo asi mismo net.art. El arte en red se refiere al genero de producciones artisticas realizadas ex profeso en y para Internet. Como movimiento especifico su origen fue a fines de la decada de los noventa coincidiendo con el desarrollo de la World Wide Web. Sin embargo, en tanto genero, el arte en red continua desarrollandose en la actualidad siendo una de las formas de arte interactivo habilitadas por los soportes digitales y las practicas comunicativas generadas por ellos. Primero fue el cinematografo y el montaje, luego la television, las computadoras y los satelites, y finalmente, los dispositivos moviles y el ciberespacio. La denominacion net.art designa las practicas artisticas que apuntan a una experiencia estetica especifica que ubica a la Internet como soporte de la obra, dialogando o explorando las practicas comunicativas en la cibercultura. Pero .que es esta nueva cultura? .como funciona esta nueva manera de comunicarnos? Fueron las tecnologias de la informacion y la comunicacion (tambien denominadas TICs) las que generaron la ultima revolucion del siglo veinte que modifico la manera de acceder, apropiarse y transmitir la informacion, concibiendo un nuevo desarrollo social, politico y economico en torno al ciberespacio, Internet y la World Wide Web, y un nuevo lenguaje universal: el digital.
Es Derrick De Kerckhove quien define en su libro Inteligencias en conexión: Hacia una sociedad de la web las tres condiciones que existen detras de la cultura digital o la cibercultura: la interactividad, la hipertextualidad y la conectividad. Siendo la interactividad la relacion entre la persona y el entorno digital definido por el hardware que los conecta; la hipertextualidad, el acceso interactivo a cualquier cosa desde cualquier parte; y, finalmente la conectividad, la tendencia humana a juntar lo que esta separado, mediante un vinculo o relacion. Internet, gracias a su estructura hipertextual ha enlazado el contenido almacenado a su comunicacion, convirtiendose en el medio conectado por excelencia que vuelve explicita y tangible la interaccion humana y potencia la colaboracion entre las personas. Todo este panorama de potencialidades tecnologicas converge, segun De Kerckhove, en un espacio para nuevas variedades de estructuras psicologicas que van a conducir indefectiblemente en la aparicion de una sensibilidad conectada, una nueva sociologia (De Kerckhove, 1999). El desarrollo de las tecnologias de la informacion, y la concepcion de esta nueva sensibilidad digital, revivio el concepto de aldea global de Marshall Mac Luhan y dio un nuevo impulso al proceso de la globalizacion, obligando a repensar cada uno de los hechos significativos que integran a la cultura, entre ellos, el arte.
En este contexto se concibe, entonces, el net.art, cuya caracteristica fundamental es el uso de los recursos de la red para producir la obra, una obra que se realizara y compartira en linea.

De la manifestación estética al lenguaje artístico

El arte, en sus mas diversas expresiones, es una actividad eminentemente social, que se hace presente en la vida cotidiana del hombre y la mujer. El ser humano vive rodeado de manifestaciones artisticas en pequena, mediana o gran escala, en su hogar, en su lugar de trabajo, o en la calle. Una fotografia del Riachuelo retocada digitalmente y compartida en Internet, un ramo de flores marchitas en el lugar indicado, o incluso un plato de comida recien elaborado, pueden convertirse en la mente de los espectadores en manifestaciones esteticas que lo conmuevan. Lo artistico es un aspecto central de la vida del ser humano que lo ayuda a diferenciarse del resto de los seres vivos ya que el es el unico capaz de producirlo y disfrutarlo, ocupando un lugar destacado para todos porque es parte de la experiencia publica y porque, a traves de el, se manifiesta la cultura. La actividad artistica, multiple e integradora, cumple diversas funciones a lo largo de la historia y a lo ancho del planeta, siendo, quizas, las mas significativas, su capacidad de comunion, su posibilidad de reflejar la vida y la realidad reflexionando sobre ella, y el desarrollo de una actitud creadora en el ser humano, base de todo nuevo descubrimiento cientifico que ayuda a satisfacer y mejorar su subsistencia. Hoy en dia, varios teoricos de la historia de lo estetico, coinciden en entender al arte como un lenguaje, plasmado en la obra producida. La forma de este objeto artistico, y sobre todo su proceso de elaboracion, comunican su contenido espiritual volviendolo mas o menos explicito. El hombre y la mujer por medio de este objeto satisfacen sus necesidades esteticas de conocimiento pero a su vez manifiestan su ideologia, su subjetividad, su vision de la realidad, objetivando el vinculo que existe entre sus personalidades, la estructura cultural de su epoca y el medio social al que pertenecen que de alguna manera los condicionan, pero al que pueden llegar a modificar. Si bien algunos de estos mensajes implican un acceso directo a la comunicacion, gracias a los avances multimediales y comunicacionales, de los que no se puede escapar, la brecha entre el significado y el significante se ha ido alejando cada vez mas, implicando otros niveles de lectura que requieren ser aprendidos para poder ser interpretados. En este aspecto, siendo el arte un medio de conocimiento que, por un lado, le permite al ser humano analizar e interpretar el mundo en un obra y, por el otro, utilizar diferentes lenguajes simbolicos para realizar sus propias producciones artisticas y comunicarse, y estando rodeados de multiples manifestaciones esteticas que es necesario interpretar, resulta paradojico que aun hoy lo artistico no se haya convertido en una de las herramientas esenciales de los procesos de ensenanza y aprendizaje contemporaneos.
Los siguientes parrafos buscaran, entonces, convertirse en un manifiesto reflexivo sobre el papel del arte en la educacion pero, sobre todo, en la inclusion del videoarte como herramienta expresivo-reflexiva que conduzca a los estudiantes de diferentes niveles a la construccion de una mirada estetico-critica sobre el mundo que lo rodea, las producciones mediatico-comunicacionales contemporaneas e, incluso, una autorreflexion profunda. Finalmente, se indagara en la brecha generacional entre los docentes inmigrantes o excluidos digitales y sus estudiantes nativos conectados proponiendo al videoarte como puente que lleve a ambos sujetos a mejorar su comunicacion y, por lo tanto, el proceso de ensenanza-aprendizaje.

Del arte y la educación

Lev Vigotsky, psicologo ruso de origen judio, uno de los mas destacados teoricos de la psicologia del desarrollo, planteo en sus estudios que la relacion del individuo con su realidad exterior no es simplemente biologica, ya que a traves de la utilizacion de instrumentos adecuados puede extender su capacidad de accion sobre esa realidad (Vigotsky, 1982). Algunos de estos instrumentos, las herramientas, son reales y palpables. Otros en cambio, como el lenguaje, son de origen simbolico. A estos ultimos, Vigotsky les atribuye un lugar especial porque les permiten al individuo actuar sobre su propia realidad y ponerse en contacto con el pensamiento de los demas y con la cultura, que influyen reciprocamente sobre el. El pensamiento, entonces, tiene un origen social, es consecuencia de una relacion social y no el resultado del despliegue de las posibilidades de un individuo aislado. Asi, el lenguaje, y a traves de el la cultura, tienen una influencia decisiva en el desarrollo y las relaciones sociales potencian enormemente las posibilidades de aprendizaje. Lev Vigotsky introduce aqui el concepto de zona de desarrollo próximo para explicar la distancia entre el nivel de desarrollo efectivo del alumno (aquello que es capaz de hacer por si solo) y el nivel de desarrollo potencial (aquello que seria capaz de hacer con la ayuda de un docente o un companero mas capaz).
Pero .cual es el papel que se le podria dar al arte en todo este asunto de la educacion? .Como puede influir una experiencia artistica en la zona de desarrollo proximo de un estudiante? Y, finalmente, .cual es la modificacion que podria aportar el videoarte, o las tecnologias de la informacion y la comunicacion, en el proceso de ensenanza-aprendizaje? En educacion, el arte es concebido como una disciplina tradicional que nace en la academia de la Grecia Clasica y llega a nuestros dias con la proliferacion de carreras universitarias que estudian lo estetico desde alguna forma artistica. Sin embargo, por mucho tiempo, la Educacion Artistica ha ocupado un lugar periferico en los disenos curriculares en relacion con otras areas que se consideraban centrales. En Escuela de Rock (School of Rock, Richard Linklater, 2003), film norteamericano que narra la historia de un musico de rock que en bancarrota se hace pasar por maestro de escuela, el protagonista expresa su opinion sobre los educadores diciendo "Those who can't do, teach. And those who can't teach, teach gym" ("Aquellos que no pueden hacer, ensenan. Y aquellos que no pueden ensenar, ensenan gimnasia"). Mas alla de la cuota de humor que otorga la frase expresada por Jack Black, que incluso es guino de una frase de Woody Allen en su film Annie Hall (1977), evidencia el rol del docente en la educacion contemporanea y, sobre todo, el rol del docente de alguna disciplina artistica. Estas desvalorizaciones educativas se deben, en parte, a la modificacion que produjo el pensamiento positivista de la mirada del hombre sobre el mundo, y sobre el arte. La filosofia positivista asumio ante el conocimiento una actitud cientificista relegando a otros objetos del saber, como son los procesos psicologicos, ideologicos, culturales, sociales y artisticos, que no podian obtenerse a traves del metodo cientifico experimental y por lo tanto no alcanzaban el grado de cientificidad requerido, a un lugar secundario en la educacion. Es verdad que el siglo veinte trajo consigo una serie de transformaciones en torno a la vision del hombre sobre su propio mundo. Sin embargo, el prejuicio por la educacion artistica, tan alejada de lo cientifico, aun permanece latente. Es el deber de los educadores, y la propuesta de este articulo, proponer diferentes caminos para que la mirada respecto al rol del arte en educacion se modifique finalmente.
Como bien lo describe Herbert Read en Educación por el arte, no se trata de convertir a todos los estudiantes en artistas sino de acercarles los lenguajes de las disciplinas artisticas que les permitan nuevos y distintos modos de comunicacion y expresion, desarrollando sus competencias individuales a traves de la sensibilizacion, la experimentacion, la imaginacion y la creatividad (Read, 1982). Todos los seres humanos poseen capacidad para la creacion. Pero sin aprendizaje no hay creatividad posible porque, el hecho creativo, es el resultado de una serie de simbolizaciones, vivencias y asimilaciones de conocimientos, una sintesis de componentes cognitivos, afectivos, sociales e imaginativos que hay que saber producir e interpretar. Vigotsky denomina a esta capacidad del ser humano como la actividad creadora.

Llamamos actividad creadora a toda realizacion humana creadora de algo nuevo, ya se trate de reflejos de algun objeto del mundo exterior, ya de determinadas construcciones del cerebro o del sentimiento que viven y se manifiestan solo en el propio ser humano (Vigotsky, 1982).

La actividad creativa se relaciona directamente con la variedad y la riqueza de la experiencia acumulada por lo que es necesario ampliar la experiencia de los estudiantes si se quiere brindar una solida base para su actividad creativa. "La finalidad del arte en la educacion deberia ser identica a la finalidad de la educacion misma", insiste Read en sus postulados. "En ultima instancia, no hago distinciones entre ciencia y arte, salvo como metodos, y creo que la oposicion entre ambas en el pasado se ha debido a una concepcion limitada de ambas actividades" (Read, 1982). El arte es representacion y la ciencia, explicacion de la misma realidad. El punto de partida para la nueva educacion deberia ser, entonces, la sensibilidad estetica. La informacion manipulada de forma tradicional no resulta atractiva para los estudiantes de hoy. El aprendizaje memoristico, en presencia de las computadoras y la conexion a Internet, pierde todo sentido (si es que alguna vez lo tuvo). Entonces, desde Vigotsky hasta Read, la propuesta es introducir lo estetico como herramienta educativa para asi ampliar la experiencia de los estudiantes, rompiendo sus esquemas mentales y logrando, finalmente, su aprendizaje significativo. Aun asi, la educacion contemporanea presenta un obstaculo mas: el quiebre generacional producido por la era digital y la aparicion de la Internet.

Rompiendo barreras a través del videoarte

Segun el estudio realizado por Mark Prensky para la elaboracion de su articulo Nativos e Inmigrantes Digitales un estudiante universitario invierte en promedio menos de cinco mil horas de lectura durante su vida universitaria mientras que pasa alrededor de veinte mil horas viendo television, jugando a los videojuegos o conectado a la gran red. Los docentes de estos estudiantes que nacieron conectados se formaron en una epoca en la que la television era solo un divertimento mas a la que se accedia una vez que se habia concluido con las actividades educativas. Esta claro que los tiempos cambiaron. Que la modificacion de las experiencias llevo indefectiblemente a una modificacion en las estructuras mentales de los educandos produciendo asi el quiebre generacional, y la falta de un lenguaje comun, con sus educadores. Prensky denomina a los primeros como nativos digitales puesto que todos han nacido y se han formado utilizando la particular lengua digital de los videojuegos, la television e Internet; mientras que a los adultos nacidos en otra epoca los separa entre inmigrantes digitales, aquellos que buscan el acceso a la nueva tecnologia obligados por la necesidad de estar al dia, y excluidos digitales, aquellos que, finalmente, no supieron como adaptarse y se quedaron afuera.
La realidad es inminente: los inmigrantes y los excluidos digitales que se dedican a la ensenanza estan empleando una lengua obsoleta (la propia de la era pre-digital) para instruir a una generacion que controla lo nuevo a la perfeccion. Lo unico que comparten es el sentimiento de angustia por escuchar del otro una lengua que desconocen, como un extranjero que, sin saber chino, entra a un restaurante en Shanghai pidiendo desesperadamente un vaso de agua. Los estudiantes estan sedientos de conocimiento y sus docentes le brindan vasos con arena. Prensky define las diferencias entre nativos e inmigrantes digitales diciendo que, los primeros, desean recibir la informacion de forma agil e inmediata, se sienten atraidos por una multiplicidad de areas y por procesos paralelos, prefieren las imagenes a los textos, se inclinan por los accesos al azar (desde hipertextos), funcionan mejor y rinden mas cuando trabajan en Red, son conscientes de su crecimiento progresivo satisfaciendose y siendo recompensados inmediatamente y, finalmente, prefieren instruirse a traves del juego y no en el rigor del trabajo tradicional (Prensky, 2010). Por otro lado, los inmigrantes digitales, en la mayoria de los casos, prefieren moverse en zonas conocidas desvalorizando los conocimientos previos de sus estudiantes, negando la evolucion. Es posible el aprendizaje en este terreno? Si se busca el aprendizaje significativo por parte de los estudiantes la respuesta es un rotundo no. Para tender un puente sobre la brecha generacional que produjo la era digital es necesario que los docentes del nuevo milenio aprendan a comunicarse con sus estudiantes a traves de una lengua y un estilo comun. No se trata de cambiar el significado de lo importante sino, simplemente, abandonar el "paso a paso" por el "ir mas rapido", profundizar mas aun y hacerlo siempre en paralelo, acceder desde y bajo el azar, etcetera. Descartando el marco contextual que no impide la apreciacion de sus peliculas, Pixar tiene adeptos de todas partes del globo aun con sus cortometrajes que sin palabras conmueven al mundo por igual. Charles Chaplin hizo reir y emocionar a varias generaciones de procedencias muy diferentes. Finalmente, la escena del hundimiento del Titanic, en la pelicula homonima de James Cameron, no necesita de otras cuestiones que la imagen audiovisual para robar varias lagrimas. El discurso audiovisual, el de las imagenes en movimiento, el del cinematografo pero tambien el del videoarte, es universal y no requiere de grandes conocimientos para ser aprehendido. Entonces, entre la confusion que se genera en el aula, producto de la falta de un lenguaje comun entre docentes y estudiantes, aparece lo audiovisual como puente comunicativo, como experiencia de union de aquello que fue separado por el cambio de milenio. Finalmente, dentro del enorme abanico de posibilidades que otorga el universo audiovisual, se destaca el videoarte como uno de los mejores medios para desarrollar un proyecto pedagogico desde la imagen en movimiento que otorgue resultados significativos.

El videoarte, como lenguaje artistico perteneciente al complejo campo de la hipermedia, permite esbozar disparejas entradas tematicas y de interpretacion, discurriendo positivamente sobre la capacidad operativa y de razonamiento singular en el aprovechamiento de cada espectador/estudiante (Martinez Gueyraud, 2010).

El autor comparte el deseo de estimular la actitud critica del estudiante frente al enmascaramiento de la realidad orientandolo hacia la innovacion tecnica, social y cultural como alternativa ante el conformismo, la repeticion o la simple imitacion de modelos aplicables. Mas que a los estudiantes, inconformistas por naturaleza, sus palabras parecen estar dirigidas hacia los docentes, inmigrantes digitales. El videoarte, al poner en cuestion constantemente las nociones de cambio y renovacion "abre la mente de los estudiantes y posibilita un concepto de la realidad que, por una parte, es inabarcable, cambiante y ambigua, y, por otra, es individual y unica para cada espectador/estudiante" (Martinez Gueyraud, 2012).

Cierres y nuevas aperturas

Cuando se habla de videoarte, enseguida aparecen las imagenes de una videocasetera, un televisor de tubo y un VHS. Sin embargo, la evolucion de las tecnologias ha dado como resultado una expansion del concepto al terreno digital mucho mas relacionada con los tiempos que corren. Los objetivos del presente trabajo estaban direccionados a proponer al videoarte como una posible herramienta pedagogica que rompiera con la barrera generacional producida por el cambio de milenio. Sin embargo, en el desarrollo de la investigacion, surgieron nuevos caminos que obligaron a ampliar la mirada. Hoy la propuesta es diferente. Ya no se trata de encontrar un lenguaje comun entre docentes y estudiantes sino obligarlos, a ambos personajes involucrados en el proyecto de ensenanza-aprendizaje, a adquirir nuevas capacidades que les permitan observar el mundo que los rodea a traves de una mirada critica. Pero para ello se debe interactuar con el medio, con la herramienta.
Paradojicamente, la investigacion concluye en la teoria. No por falta de tiempo o de recursos sino como una decision del autor de involucrar a sus lectores en la experiencia propia, incentivandolos a utilizar la herramienta en sus clases cualquiera sea el area de la que provengan. Es una cuestion de confianza. Porque, en palabras de Earl Gary Stevens, escritor estadounidense, "la confianza, como el arte, nunca proviene de tener todas las respuestas sino estar abiertos a todas las preguntas".

Referencias Bibliográficas

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Bibliografía

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